A fi un artist celebru în viața ta nu este o garanție că alți artiști îți vor aminti. Ați auzit de pictorul francez Ernest Meissonier?
A fost contemporan cu Edouard Manet și, de departe, artistul mai de succes în ceea ce privește aclamările critice și vânzările. De asemenea, reversul este adevărat, cu Vincent van Gogh. Van Gogh s-a bazat pe fratele său, Theo, pentru a-i oferi vopsea și pânză, dar astăzi picturile sale obțin prețuri record, ori de câte ori vin la o licitație de artă, iar el este un nume al gospodăriei.
Privind tablourile celebre din trecut și din prezent vă pot învăța multe lucruri, inclusiv compoziția și manipularea vopselei. Deși probabil cea mai importantă lecție este că în cele din urmă ar trebui să pictezi pentru tine, nu pentru o piață sau posteritate.
„Ceas de noapte” - Rembrandt
Pictura „Watch Watch de noapte” de Rembrandt se află în Rijksmuseum din Amsterdam. După cum arată fotografia, este un tablou uriaș: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt a terminat-o în 1642. Adevăratul său titlu este" Compania lui Frans Banning Cocq și Willem van Ruytenburch ", dar este mai cunoscut doar sub denumirea de Night Watch. (O companie care este garda miliției).
Compoziția tabloului a fost foarte diferită pentru perioada respectivă. În loc să arate figurile într-o modă îngrijită, ordonată, în care tuturor li se oferea aceeași proeminență și spațiu pe pânză, Rembrandt le-a pictat ca un grup ocupat în acțiune.
În jurul anului 1715, un scut a fost pictat pe „Ceasul de noapte” care conține numele a 18 persoane, dar numai unele dintre nume au fost identificate vreodată. (Așa că amintiți-vă dacă pictați un portret de grup: desenați o diagramă pe spate pentru a merge cu numele tuturor, astfel încât generațiile viitoare să știe!) În martie 2009, istoricul olandez Bas Dudok van Heel a dezvăluit în sfârșit misterul cine este cine este tabloul. Cercetările sale au găsit chiar și articole de îmbrăcăminte și accesorii descrise în „Ceasul de noapte” menționat în inventarele moșiilor familiale, pe care apoi le-a colaționat cu vârsta diferiților milițieni în 1642, anul în care pictura a fost finalizată.
Dudok van Heel a descoperit, de asemenea, că în holul în care a fost atârnat pentru prima dată „Ceasul de noapte” al lui Rembrandt, erau șase portrete de grup ale unei miliții afișate inițial într-o serie continuă, nu șase tablouri separate, cum s-a crezut de mult. Mai degrabă, cele șase portrete de grup ale lui Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart și Flinck au format o friză neîntreruptă care se potriveau cu celelalte și fixate în panourile de lemn ale camerei. Sau asta era intenția. „Ceasul de noapte” al lui Rembrandt nu se potrivește cu celelalte tablouri în compoziție sau culoare. Se pare că Rembrandt nu a respectat termenii comisiei sale. Dar atunci, dacă ar fi avut-o, n-am fi avut niciodată acest portret de grup al secolului al XVII-lea extrem de diferit.
„Hare” - Albrecht Dürer
Denumit în mod obișnuit iepurele lui Dürer, titlul oficial al acestui tablou îl numește iepură. Pictura se află în colecția permanentă a colecției Batliner a Muzeului Albertina din Viena, Austria.
Acesta a fost pictat folosind acuarelă și guașă, cu evidențiarea albă realizată în guașă (mai degrabă decât a fi albul nevopsit al hârtiei).
Este un exemplu spectaculos despre cum poate fi vopsită blana. Pentru a-l imita, abordarea pe care ați lua-o depinde de câtă răbdare ai. Dacă aveți ouă, veți picta folosind o perie subțire, un păr la un moment dat. În caz contrar, utilizați o tehnică de perie uscată sau împărțiți firele de păr pe o perie. Răbdarea și rezistența sunt esențiale. Lucrați prea repede pe vopsea umedă și loviturile individuale riscă să se amestece. Nu continuați destul de mult, iar blana va părea ațătoare.
Capela Sixtină Frescă de tavan - Michelangelo
Tabloul lui Michelangelo din tavanul Capelei Sixtine este una dintre cele mai faimoase fresce din lume.
Capela Sixtină este o capelă mare din Palatul Apostolic, reședința oficială a Papei (conducătorul Bisericii Catolice) din Vatican. Are multe fresce pictate în ea, de unele dintre cele mai mari nume ale Renașterii, inclusiv fresce de perete de Bernini și Raphael, dar este cel mai renumit pentru frescele de pe tavan de Michelangelo.
Michelangelo s-a născut la 6 martie 1475 și a murit la 18 februarie 1564. Comisionat de Papa Iulius II, Michelangelo a lucrat pe tavanul Capelei Sixtine din mai 1508 până în octombrie 1512 (nicio lucrare nu a fost făcută între septembrie 1510 și august 1511). Capela a fost inaugurată la 1 noiembrie 1512, de sărbătoarea tuturor sfinților.
Capela are 40, 23 metri lungime, 13, 40 metri lățime, iar tavanul 20, 70 metri deasupra solului în cel mai înalt punct 1. Michelangelo a pictat o serie de scene biblice, profeți și strămoșii lui Hristos, precum și trompe l'oeil sau elemente de arhitectură. Zona principală a tavanului prezintă povești din poveștile cărții Genezei, inclusiv crearea omenirii, căderea omului din har, inundația și Noe.
Plafonul Capelei Sixtine: un detaliu
Panoul care arată creația omului este probabil cea mai cunoscută scenă din faimoasa frescă de Michelangelo pe tavanul Capela Sixtină.
Capela Sixtină din Vatican are multe fresce pictate în ea, dar este cel mai renumit pentru frescele de pe tavan de Michelangelo. Restaurarea extinsă a fost făcută între 1980 și 1994 de către experții în arta Vaticanului, îndepărtând fum de secole din lumânări și lucrări anterioare de restaurare. Acest lucru a dezvăluit culori mult mai strălucitoare decât se credea anterior.
Pigmenți Michelangelo folosiți includ ocru pentru roșii și galbeni, silicati de fier pentru verzi, lapis lazuli pentru albastru și cărbune pentru negru. 1 Nu totul este pictat în atâtea detalii în care apare prima dată. De exemplu, figurile din prim-plan sunt pictate mai detaliat decât cele din fundal, adăugând sentimentul de adâncime în tavan.
Mai multe despre Capela Sixtină:
• Muzeele Vaticanului: Capela Sixtină
• Turul virtual al Capelei Sixtine
surse:
1 Muzeele Vaticanului: Capela Sixtină, site-ul web al statului Vatican, accesat la 9 septembrie 2010.
Caiet Leonardo da Vinci
Artistul renascentist Leonardo da Vinci este renumit nu numai pentru picturile sale, ci și caietele sale. Această fotografie arată unul din Muzeul V&A din Londra.
Muzeul V&A din Londra are în colecție cinci caiete ale lui Leonardo da Vinci. Acesta, cunoscut sub numele de Codex Forster III, a fost folosit de Leonardo da Vinci între 1490 și 1493, când lucra la Milano pentru ducele Ludovico Sforza.
Este un caiet mic, de dimensiunea pe care o puteți păstra cu ușurință într-un buzunar al hainei. Este umplut cu tot felul de idei, note și schițe, inclusiv „schițe ale picioarelor unui cal, desene cu pălării și haine care ar putea fi idei pentru costume la baluri și o relatare a anatomiei capului uman”. 1 În timp ce nu puteți transforma paginile caietului din muzeu, puteți să îl parcurgeți online.
Citirea scrisului său de mână nu este ușoară, între stilul caligrafic și utilizarea lui de scris-oglindă (înapoi, de la dreapta la stânga), dar unii consideră fascinant să vezi cum pune tot felul într-un singur caiet. Este un caiet de lucru, nu o piesă de spectacol. Dacă v-ați îngrijorat vreodată că jurnalul dvs. de creativitate nu a fost cumva făcut sau organizat corect, luați conducerea de la acest maestru: faceți-o așa cum aveți nevoie.
Sursă:
1. Explorați codurile Forster, Muzeul V&A.(Accesat 8 august 2010.)
"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci
Pictura „Mona Lisa” a lui Leonardo da Vinci, în Louvre din Paris, este, probabil, cea mai cunoscută pictură din lume. Este probabil și cel mai cunoscut exemplu de sfumato, o tehnică de pictură responsabilă parțial de zâmbetul ei enigmatic.
S-au făcut multe speculații despre cine a fost femeia din tablou. Se crede că este un portret al Lisa Gherardini, soția unui negustor de pânze florentine, numit Francesco del Giocondo. (Scriitorul de artă din secolul al XVI-lea Vasari a fost printre primii care au sugerat acest lucru, în „Viețile artiștilor”). De asemenea, s-a sugerat că motivul zâmbetului ei a fost că era însărcinată.
Istoricii de artă știu că Leonardo a început „Mona Lisa” până în 1503, întrucât o înregistrare a acesteia a fost realizată în acel an de către un oficial înalte florentine, Agostino Vespucci. Când a terminat, este mai puțin sigur. Luvru a datat inițial tabloul din 1503-06, dar descoperirile făcute în 2012 sugerează că s-ar fi putut ajunge cu un deceniu mai târziu înainte de a fi terminat, pe fundal fiind bazat pe un desen de roci despre care se știe că a făcut în 1510 -15. 1 Louvre a schimbat datele la 1503-19 în martie 2012.
Sursă:
1. Mona Lisa ar fi putut fi finalizată cu un deceniu mai târziu decât s-a gândit în The Art Newspaper, de Martin Bailey, 7 martie 2012 (accesat 10 martie 2012)
Pictori celebri: Monet la Giverny
Fotografii de referință pentru pictură: „Grădina de la Giverny” a lui Monet.
O parte din motivul pentru care pictorul impresionist Claude Monet este atât de faimos este tablourile sale despre reflecțiile din iazurile de crin pe care le-a creat în marea sa grădină de la Giverny. A inspirat mulți ani, chiar până la sfârșitul vieții. El a schițat idei pentru picturi inspirate din bălți și a creat picturi mici și mari, atât ca lucrări individuale, cât și în serie.
Semnatura lui Claude Monet
Acest exemplu despre cum Monet a semnat picturile sale este unul dintre picturile sale de nuferi. Puteți vedea că a semnat-o cu un nume și prenume (Claude Monet) și anul (1904). Este în colțul din dreapta jos, destul de departe pentru a nu fi tăiat de cadru.
Numele complet al lui Monet a fost Claude Oscar Monet.
„Impresion răsărit” - Monet
Acest tablou de Monet a dat numele stilului impresionist al artei. El a expus-o în 1874 la Paris în ceea ce a devenit cunoscută sub numele de Prima Expoziție impresionistă.
În recenzia sa a expoziției pe care a intitulat-o „Expoziția impresionistilor”, criticul de artă Louis Leroy a spus:
Sursă:
1. „L’exposition des Impressionnistes” de Louis Leroy, Le Charivari, 25 aprilie 1874, Paris.Tradus de John Rewald în Istoria impresionismului, Moma, 1946, p256-61;citat în Salonul către bienală: expoziții care au făcut istorie artei de Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.
Seria „Păsări” - Monet
Monet a pictat adesea o serie de același subiect pentru a surprinde efectele schimbătoare ale luminii, schimbând pânzele pe măsură ce ziua a evoluat.
Monet a pictat multe și mai multe subiecte, dar fiecare din tablourile sale din serie este diferită, fie că este vorba despre un tablou al unui crin de apă sau al unui fân. Deoarece picturile lui Monet sunt împrăștiate în colecțiile din întreaga lume, de obicei, în expozițiile speciale, picturile sale din serie sunt văzute ca un grup. Din fericire, Institutul de Artă din Chicago are în colecția sa câteva dintre picturile cu fânuri ale Monetului, deoarece fac o vizionare impresionantă împreună:
Pila de grâu
Deschis, apus de soare
Apus de soare, efect de zăpadă
Efect de zăpadă, Ziua înnorată
Sfarsitul verii
În octombrie 1890, Monet a scris o scrisoare criticului de artă Gustave Geffroy despre seria de fânuri pe care picta, spunând:
"Mă descurc greu, lucrez cu încăpățânare la o serie de efecte diferite, dar în această perioadă a anului soarele apune atât de repede încât este imposibil să ții pasul cu el … cu cât ajung mai departe, cu atât văd mai mult că trebuie depus multă muncă pentru a reda ceea ce caut: „instantaneitate”, „plicul” mai presus de toate, aceeași lumină răspândită peste tot … Sunt din ce în ce mai obsedat de nevoia de a reda ceea ce experiență și mă rog să-mi mai rămână încă câțiva ani buni, deoarece cred că pot face progrese în această direcție … " 1
Sursa:
1. Monet by Himself, p172, editat de Richard Kendall, MacDonald & Co, Londra, 1989.
„Crini de apă” - Claude Monet
Claude Monet, „Crinii de apă”, c. 19140-17, ulei pe pânză. Dimensiune 65 3/8 x 56 inci (166, 1 x 142, 2 cm). În colecția Muzeelor de Arte Plastice din San Francisco.
Monet este poate cel mai cunoscut dintre impresionisti, mai ales pentru picturile sale despre reflectiile din iazul de crin de la gradina sa Giverny. Această pictură particulară arată un pic de nor în colțul din dreapta sus și albastru mut al cerului, așa cum se reflectă în apă.
Dacă studiați fotografii din grădina Monet, cum ar fi aceasta din iazul de crin Monet și aceasta cu flori de crin, și le comparați cu acest tablou, veți avea o senzație de modul în care Monet a redus detaliile în arta sa, inclusiv numai esența de scena sau impresia de reflectare, apă și floare de crin. Faceți clic pe linkul „Afișați la dimensiune completă” de sub fotografia de mai sus pentru o versiune mai mare, în care este mai ușor să vă dați seama de periajul Monet.
Poetul francez Paul Claudel a spus:
"Mulțumită apei, a devenit pictorul a ceea ce nu putem vedea. El abordează acea suprafață spirituală invizibilă, care separă lumina de reflecție. Aerul arat captiv de azurul lichid … Culoarea se ridică de pe fundul apei în nori, în vârtejuri."
Sursa:
Page 262 Art of Our Century, de Jean-Louis Ferrier și Yann Le Pichon
Semnatura lui Camille Pissarro
Pictorul Camille Pissarro tinde să fie mai puțin cunoscut decât mulți dintre contemporanii săi (cum ar fi Monet), dar are un loc unic în cronologia artei. A lucrat atât ca impresionist, cât și neimpresionist, precum și influențând artiști acum celebri, precum Cézanne, Van Gogh și Gauguin. A fost singurul artist care a expus la toate cele opt expoziții impresioniste la Paris din 1874 până în 1886.
Autoportret Van Gogh (1886/1887)
Acest portret al lui Vincent van Gogh se află în colecția Institutului de Artă din Chicago. A fost pictat folosind un stil similar cu punctillismul, dar nu se lipește strict de puncte.
În cei doi ani în care a locuit la Paris, din 1886 până în 1888, Van Gogh a pictat 24 de autoportrete. Institutul de Artă din Chicago a descris-o pe aceasta ca folosind „tehnica punctului” a lui Seurat nu ca o metodă științifică, ci „un limbaj emoțional intens” în care „punctele roșii și verzi sunt tulburătoare și în concordanță totală cu tensiunea nervoasă evidentă în van Gogh's privirea.“
Într-o scrisoare câțiva ani mai târziu către sora sa, Wilhelmina, Van Gogh a scris:
„Am pictat două poze cu mine în ultima vreme, dintre care una are mai degrabă adevăratul personaj, cred eu, deși în Olanda probabil că ar scăpa de ideile despre pictura portretului care germinează aici … Mereu cred că fotografii sunt abominabile, iar eu nu-mi place să le am în preajmă, în special nu pe persoanele pe care le cunosc și le iubesc … portretele fotografice s-au rătăcit mult mai devreme decât noi înșine, în timp ce portretul pictat este un lucru simțit, realizat cu dragoste sau respect pentru ființă umană care este portretizată ".
Sursă:
Scrisoare către Wilhelmina van Gogh, 19 septembrie 1889
Semnatura lui Vincent van Gogh
A pune vopsea pe pânză este cu siguranță o direcție nouă pentru Hirst și, acolo unde merge Hirst, probabil că studenții de artă urmează. Pictura în ulei ar putea deveni din nou la modă.
Ghidul About.com al călătoriei londoneze, Laura Porter, a mers la previzualizarea presei a expoziției lui Hirst și a primit un răspuns la întrebarea pe care doream să o știu: ce pigmenți albastri folosea?
La Laura i s-a spus că este „albastru prusac pentru toate, cu excepția unuia dintre cele 25 de tablouri, care este negru”. Nu este de mirare că este un albastru atât de întunecat și mirositor!
Criticul de artă Adrian Searle, de la The Guardian, nu a fost foarte favorabil pentru tablourile lui Hirst:
"În cel mai rău caz, desenul lui Hirst pare doar amator și adolescent. Periajul său îi lipsește acea oomph și panache care te face să crezi în minciunile pictorului. El încă nu îl poate duce." 2
Sursă:
1 Hirst „Dă animale murate”, BBC News, 1 octombrie 2009
2. „Picturile lui Damien Hirst sunt mortale plictisitoare”, Adrian Searle, Gardian, 14 octombrie 2009.
Artiști celebri: Antony Gormley
Antony Gormley este un artist britanic, poate cel mai renumit pentru sculptura lui Angel of the North, dezvăluită în 1998. Se află în Tyneside, nord-estul Angliei, pe un site care a fost odată colindător, primindu-vă cu aripile sale de 54 de metri lățime.
În iulie 2009, opera de instalare a lui Gormley pe al patrulea plint din Trafalgar Square din Londra a văzut un voluntar stând o oră pe plinta, 24 de ore pe zi, timp de 100 de zile. Spre deosebire de celelalte plinte din Piața Trafalgar, a patra plinta chiar în afara Galeriei Naționale, nu are o statuie permanentă pe ea. Unii dintre participanți au fost artiști înșiși și și-au schițat punctul de vedere neobișnuit (foto).
Antony Gormley s-a născut în 1950, la Londra. A studiat în diferite colegii din Marea Britanie și Buddhism în India și Sri Lanka, înainte de a se concentra pe sculptură la Slade School of Art din Londra între 1977 și 1979. Prima sa expoziție solo a fost la Whitechapel Art Gallery în 1981. În 1994, Gormley a câștigat premiul Turner cu „Câmpul pentru Insulele Britanice”.
Biografia sa de pe site-ul său spune:
… Antony Gormley a revitalizat imaginea umană în sculptură printr-o investigație radicală a corpului ca loc de memorie și transformare, folosind propriul său corp ca subiect, unealtă și material. Din 1990 și-a extins preocuparea cu condiția umană de a explora corpul colectiv și relația dintre sine și alte persoane în instalații de mari dimensiuni …
Gormley nu creează tipul de figură pe care îl face pentru că nu poate face statui în stil tradițional. Mai degrabă, el ia plăcere de la diferență și din capacitatea pe care ni le oferă pentru a le interpreta. Într-un interviu pentru The Times 1, el a spus:
"Statuile tradiționale nu se referă la potențial, ci la ceva care este deja complet. Au o autoritate morală, care este asupritivă decât colaborativă. Lucrările mele își recunosc golul."
Sursă:
Antony Gormley, the Man Who Broke the Mold de John-Paul Flintoff, The Times, 2 martie 2008.
Pictori celebri britanici contemporani
De la stânga la dreapta, artiștii Bob și Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake și Alison Watt.
Ocazia a fost vizionarea tabloului Diana și Actaeon de către Titian (nevăzut, spre stânga) la National Gallery din Londra, cu scopul de a strânge fonduri pentru a cumpăra tabloul pentru galerie.
Artiști celebri: Lee Krasner și Jackson Pollock
Dintre acești doi pictori, Jackson Pollock este mai cunoscut decât Lee Krasner, dar fără sprijinul și promovarea operei sale de artă, poate nu va avea locul în cronologia artei pe care o face. Ambele pictate într-un stil expresionist abstract. Krasner s-a luptat pentru aclamarea critică de sine stătător, mai degrabă decât doar a fi considerată soția lui Pollock. Krasner a lăsat o moștenire pentru înființarea Fundației Pollock-Krasner, care acordă subvenții artiștilor vizuali.
Șevaletul scării lui Louis Aston Knight
Louis Aston Knight (1873-1948) a fost un artist american originar din Paris, cunoscut pentru picturile sale de peisaj. La început s-a antrenat sub tatăl său artist, Daniel Ridgway Knight. A expus la Salonul Francez pentru prima dată în 1894 și a continuat să o facă de-a lungul vieții sale, obținând totodată aclamări în America. Tabloul său Afterglow a fost achiziționat în 1922 de către președintele SUA Warren Harding pentru Casa Albă.
Această fotografie din Arhivele Artei Americane, din păcate, nu ne oferă o locație, dar trebuie să credeți că orice artist dispus să se vadă în apă cu scara de șevalet și vopselele a fost fie foarte dedicat observării naturii, fie destul de showman.
1897: o clasă de artă pentru femei
Această fotografie din 1897 din Arhivele Artei Americane arată o clasă de artă pentru femei cu instructorul William Merritt Chase. În acea epocă, bărbații și femeile au participat la cursuri de artă separat, unde, din cauza vremurilor, femeile au avut norocul să poată obține o educație de artă deloc.
Școala de vară de artă c.1900
Studenții de artă la cursurile de vară din Școala St Paul of Fine Arts, Mendota, Minnesota, au fost fotografiați în anul C.0000 cu profesorul Burt Harwood.
Moda deoparte, rahaturile de soare mari sunt foarte practice pentru vopsirea în aer liber, deoarece păstrează soarele din ochi și îți oprește fața să se ardă de soare (la fel ca un blat cu mâneci lungi).
„Nava lui Nelson într-o sticlă” - Yinka Shonibar
Uneori este o scară a operei de artă care îi dă un impact dramatic, mult mai mult decât subiectul. „Nava lui Nelson într-o sticlă” de Yinka Shonibar este o astfel de piesă.
„Nava lui Nelson într-o sticlă” de Yinka Shonibar este o navă de 2, 35 metri înălțime în interiorul unei sticle și mai înalte. Este o replică la scară 1:29 a flagship-ului vice amiralului Nelson, HMS Victory.
„Nava lui Nelson într-o sticlă” a apărut pe al patrulea plint din Piața Trafalgar din Londra, la 24 mai 2010. Pătratul al patrulea plint a rămas gol din 1841 până în 1999, când prima serie continuă de lucrări de artă contemporane, comandată special pentru plinta de către Al patrulea grup de punere în funcțiune.
Lucrarea de artă dinainte de „Nava lui Nelson într-o sticlă” a fost One & Other de Antony Gormley, în care o persoană diferită a stat pe plint timp de o oră, în jurul ceasului, timp de 100 de zile.
Din 2005 până în 2007 ați putut vedea o sculptură de Marc Quinn, Alison Lapper Pregnant, iar din noiembrie 2007 a fost Model pentru un hotel 2007 de Thomas Schutte.
Desenele batik pe pânzele „Navei lui Nelson într-o sticlă” au fost imprimate manual de către artist pe pânză, inspirate din pânză din Africa și istoria acesteia. Sticla are 5x2.8 metri, fabricată din perspex nu sticlă, iar sticla se deschide suficient de mare pentru a urca în interior pentru a construi nava.
